Le Théâtre d'un autre âge

Pris sur le Site Académique de professeurs de Lettres

Seconde étape

Appris à travers les branches virtuelles (soit par MSN et/ou par FaceBook!): Alexandre Larouche et Jérémie Desbiens (les deux messieurs qui illustrent ce billet et qui ont fait leur audition ensemble) ont été retenus pour la seconde audition de l'École Nationale de Théâtre qui aura lieu ce samedi-ci, en après-midi... Bonne chance à eux!
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Par ailleurs, une pensée pour toutes celles qui ont tenté aussi le coup (et dont je suis sans nouvelle): Valérie, Émilie, Geneviève, Catherine...

Le Grand-Guignol... du sang et des cris!

Je vogue depuis quelques jours dans l'exploration d'un genre fort particulier, le Grand-Guignol (désolé, mais ce site - le plus intéressant! - est en anglais)... à la recherche d'un sujet, d'un style théâtral, d'une façon de faire pour la prochaine année...

Ce genre - bien inscrit dans ce début provocateur et plein de promesses du XXième siècle - est aussi connu sous le nom de théâtre de l'épouvante (certains parlent plutôt d'un théâtre érotique sous le couvert de la frayeur)... et dont le succès des pièces était mesuré à l'aune des évanouissements dans la salle! Il s'agit donc d'un théâtre des peurs de l'époque: la peur de l'autre, de la contagion, de la science, de la folie. En cela, il pourrait toujours résonner efficacement de nos jours. Sans compter qu'il s'agit là, à l'instar d'un certain théâtre contemporain, d'une mécanique qui, avec la déhiérarchisation du texte, met l'emphase sur le corps et l'acteur (la présence!) et sur la mise en scène et les effets (la théâtralité!).

Le Grand-Guignol est caractéristique à plusieurs égards: brièveté des pièces (donc juxtaposition de plusieurs textes entrecoupés de comédies - de Courteline! - pour préparer au drame), peu de dialogues au profit d'un véritable corps à corps (yeux révulsés, contorsions, démarches lentes, etc.), exiguïté des espaces...

Malheureusement, les pièces que je lis (pour le moment, du moins) n'ont pas la force dramatique qu'exigerait un passage à la scène fort et troublant. Je recherche toujours, dans ce répertoire de l'impasse Chaptal (Paris), des textes sur lesquels élaborer un projet complet!

Dommage...
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Quelques titres pour donner une idée du genre:

LE SYSTÈME DU DOCTEUR GOUDRON ET DU PROFESSEUR PLUME
LA DERNIÈRE TORTURE
LA MASCARADE INTERROMPUE
LE CHIRURGIEN DE SERVICE
UN CONCERT CHEZ LES FOUS
L'HORRIBLE EXPÉRIENCE
L'ALOUETTE SANGLANTE
LE LABORATOIRE DES HALLUCINATIONS
L'ATROCE VOLUPTÉ
L'AMANT DE LA MORTEet LE JARDIN DES SUPPLICES

Programmation 2009-2010

Je commence à préparer la programmation 2009-2010 du Théâtre 100 Masques... Pour le coup, je me relance, avec délices!, dans mes livres à la recherche de la perle rare, du sujet, du texte qui me feront craquer... Qu'est-ce qu'il nous serait intéressant de porter à la scène? Comment? Pourquoi?

Je me replonge également dans mes notes, mes questionnements, mes réflexions pour me donner une ligne claire, une piste de travail... pour ne pas dire un cadre structurel!

Par le fait même, je tente surtout de raffermir notre direction artistique autour de projets solides et porteurs d'une certaine idéologie.

Donc, de quoi sera composé la prochaine saison? Je l'ignore encore... même si déjà, j'ai une bonne idée de là où se dirige la compagnie. Si tout se place comme je l'espère, nous aurons une année fort remplie!

La semaine théâtrale

Lesquels théâtres et comédies se déploieront sur les scènes du Royaume cette semaine? Voici un petit tour d'horizon:

Mardi - 17 mars 2009
Salle François-Brassard (Cégep de Jonquière), 19h30

Le Théâtre du Faux Coffre présente son Barabbas dans la Passion, les origines du premier clown noir. Il en coûte toujours 16$ pour les adultes, 11$ pour les étudiants... et cette fois-ci, 8$ pour les étudiants dudit Cégep! Pour d'autres informations, consulter le site de cette compagnie au www.fauxcoffre.ca!

Mardi et mercredi, 17 et 18 mars 2009
Auditorium d'Alma, 20h

Bonne chance aux intéressés! Fred Pellerin est de passage dans la région, à Alma, avec son nouveau spectacle, L'arracheuse de temps... S'il reste des billets... (Il sera à Chicoutimi ce samedi et ce dimanche... mais c'est complet depuis belle lurette!)

Samedi - 21 mars 2009
Salle Pierrette-Gaudreault, 20h

Photographie: Dominique Chartrand

Le Théâtre La Rubrique présente Je voudrais me déposer la tête de Jonathan Harnois, une production du Théâtre Pàp. Voici un spectacle traitant du sujet délicat du suicide avec beaucoup de sensibilité. On y raconte la mort précipitée de Félix et tous les sentiments qui se bousculeront pendant des semaines dans la tête et le coeur de son bon ami, Ludovic.Une mise en scène de Claude Poissant.

Euh... Je pense que c'est tout... S'il y a autre chose, qu'on me le fasse savoir...

Je rappelle à tous, en terminant, que c'est ce vendredi, 20 mars 2009, la date limite pour le dépôt des demandes de subventions aux Projets spéciaux du CAS!

Le risque au théâtre...

Le risque cultive le décloisonnement ENTRE les arts.
La révolte engage dans le mouvement VERS.
Georges Banu

Le monde est au risque.
Le monde sera demain à qui risquera le plus,
prendra plus fermement son risque.
George Bernanos

Le problème, c'est que si l'on ne prend pas de risque,
on risque encore davantage.
Erica Jong

Pour beaucoup, le théâtre contemporain et les arts en général ne peuvent se faire sans «risque,» sans qu'il n'y ait une perte potentielle, identifiée et quantifiable (Wikipédia) pour l'artiste. La création doit se faire sans filet, dans le doute, le questionnement, la torture intérieure... La valeur de la production contemporaine doit se mesurer à l'aune de ce «risque». Peut-être...

Je n'ai rien contre cette notion risquée... en autant qu'elle soit une amorce au travail de recherche/exploration... et non pas une fin en soit!

Mais comment doit-on se poser cette question épineuse du «risque»?

Voici, tirées du no.85-86 d'Alternatives Théâtrales (été 2005), quelques axes de réflexion interrogeant sur les enjeux de l'épreuve du risque... dont les plus intéressantes, à mon avis, concerne les questions 3 à 6:

1. La notion de risque vous semble-t-elle présente ou non sur les scènes [théâtrales contemporaines]?

2. Est-ce que la notion de risque occupe un rôle particulier dans votre pratique actuelle?

3. Est-ce que, pour vous, la prise de risque s'inscrit d'emblée dans l'élaboration et la production du spectacle?

4. En prenant des risques, quelle liberté prend-on? Par rapport à soi et son image? Par rapport au public? Par rapport à l'institution?

5. Par la prise de risque, que voulez-vous briser? Que voulez-vous atteindre?

6. Le renouvellement de la forme passe-t-il forcément par la prise de risque?

7. Le risque est-il un acte de rupture? Peut-il se pérenniser?

8. Est-ce que la prise de risque répond à une pulsion?

9. La prise de risque s'opère-t-elle de manière différente dans un art collectif?

Image de contemporanéité

Le théâtre contemporain doit-il nécessairement être post-dramatique? Bon... quelques mots sur ce concept de Lehmann qui n'obtient pas l'unanimité:

Le théâtre post-dramatique, au lieu de représenter une histoire avec des personnages qui apparaissent et disparaissent en fonction de la psychologie de la narration, combine des styles disparates, fragmentaires. Il s'inscrit dans une dynamique de la transgression des genres.

(LEHMAN Hans Thuies, Le Théâtre Post-dramatique, L'arche, Paris, 2001)

Ce théâtre post-post-moderne en est un de présence, d'énergie, d'interdisciplinarité. C'est le règne de la recherche, de la performance sur scène... C'est, pour beaucoup, LE théâtre du XXIième siècle. Fi donc des textes (dits dramatiques) des conventions, des règles dramatiques, de la représentation telle qu'elle est codifiée depuis des millénaires.

Alors, le théâtre contemporain doit-il nécessairement être post-dramatique? Personnellement, je crois que non. Il peut encore (et mon dogmatisme ambiant me ferait dire «doit encore!») s'ancrer dans la théâtralité dramatique sans pour autant devenir archéologique! Le théâtre conventionnel - tout aussi performatif soit-il! - a encore un rôle à jouer et peut-être est-il, au fond, le véritable gardien de cet art éphémère...

Pourquoi notre langue est-elle celle «de Molière»

Je suis entrain de lire un livre (puisque je suis désormais membre de la Bibliothèque municipale de Chicoutimi... après 12 ans!) fort intéressant: Molière et le roi, l'affaire Tartuffe (ed. du Seuil, Paris, 2007) écrit sous forme de dialogues entre François Rey, moliériste intrépide (et aussi metteur en scène?) et Jean Lacouture, écrivain et biographe internationalement reconnu... selon la quatrième de couverture...

Dans le prologue, les deux hommes font un tour d'horizon de l'auteur dont le nom imagera la langue française, et s'arrête sur les raisons possibles de ce surnom qui a quasi relégué aux oubliettes Jean-Baptiste Poquelin...

[...] F.R.: Certains comédiens non nobles (car il y en avait aussi beaucoup d'autehntique noblesse) ajoutaient à leur patronyme bourgeaois un nom aux allures de fief qui leur servait de nom de scène. On trouve ainsi, parmi les fondateurs de l'Illustre-Théâtre, Joseph Béjart sieur de la Broderie, Germain Clérin sieur de Villabé et Georges Pinel dit La Couture. [...] D'autes sont plus célèbres: Bellerose, Montfleury, Montdory, Floridor, du Parc... Ce pourrait être le cas de «Molière», qui est le nom de beaucoup de villages ou lieux-dits situés à proximité d'une «carrière à pierre dure d'où on tire les meules de moulin» (nda: dictionnaire de Furetière, article molière). Bien des hypothèses ont été émises pour expliquer le choix de ce pseudonyme, dont celle que je crois être la bonne, mais à laquelle peu d'historiens se sont arrêtés, par une étrange indifférence à la signification possible d'un tel choix.

En 1644, l'année même où le jeune Poquelin signe pour la première fois, semble-t-il, «De Molière», deux des principaux libraires de Paris mettent en vente une nouvelle édition (la quatrième édition depuis 1623) d'un roman-fleuve dans le goût de L'Astrée, publié chaque fois sous le même titre: La Polyxène de Molière. On y trouve un prince Alceste, d'une jalousie morbide, un Philinte, un fleuve Oronte, et cette Polyxène à qui la «spirituelle» Magdelon des Précieuses ridicules empruntera son nom.

L'auteur, François de Molière, sieur d'Essertines, est mort vingt ans plus tôt exactement, assassiné à l'âge de vongt-quatre ans. Poète, romancier, traducteur, épistolier, son style, d'une grande beauté, est donné en modèle dans les recueils de lettres qui fleurissent à l'époque. [...] Dans ses Mémoires posthumes, le père Garasse appelle Molière d'Essertines «un vrai diable incarné, tant il avançait de propositions contre la sacrée humanité de Jéss-Christ». Trente ans plus tard, un autre prêtre fanatique dénoncera dans l'auteur du Tartuffe «un démon vêtu de chair et habillé en homme». [...]

J.L.: Il est curieux que le jeune Poquelin, qui va se faire comédien de campagne, se mette à l'enseigne d'un romancier-essayiste plutôt que d'un homme de théâtre.

F.R.: C'est un des paradoxes du personnage, modèle de tous les comédiens français, que sa vie professionnelle ait été entièrement vouée au théâtre, alors que ses amitiés, ses attachements, ses goûts, ses intérêts intellectuels, pour ce qu'on en sait, le portaient vers les salons et les compagnies savantes, vers des poètes, des traducteurs, des philosophes, des médecins, des physiciens, des voyageurs...

Voilà... Si j'écris dans la langue «de Molière», je le dois, en quelques sortes, à un aujourd'hui obscur auteur du début du XVIIième siècle.

Paresse intellectuelle

J'aime bien tout ce que Jules Renard écrit... C'est fait avec tant d'ironie, voire de cynisme! Il dépeint de façon brève et concise les travers humains... dont ceux des spectateurs:

L'amusant, au théâtre,
c'est de sortir aux entractes,
de saluer, de serrer des mains,
d'entendre des opinions
et de s'en faire une moyenne,
avec tous les extrêmes,
sans effort, sur la pièce.

Jules Renard
Extrait de son Journal 1893 - 1898

Euh

L'UQAC a produit - et cela peut se vérifier facilement sur le terrain (!) - une quantité remarquable de praticiens de la culture au cours des années passées. C'est un fait.

L'interdisciplinarité du BIA était une force reconnue et l'étudiant pouvait y cheminer, construisant une base disciplinaire relativement solide tout en l'enrichissant de pratiques autres. De plus, il lui était impensable de ne pas assister aux différents événements qui se passaient dans le milieu professionnel.

Où s'en va alors ce programme?

L'interdisciplinarité (qu'on pourrait qualifier plutôt de multidisciplinarité... pauvre, par ailleurs, devant l'affaiblissement du corpus disciplinaire) se mue plutôt en vaste laboratoire expérimental où les bases, le conventionnel, l'histoire en quelques sortes, n'ont plus de prises et disparaissent pour faire place à la recherche de la recherche. Bon. Peut-être est-ce un signe d'évolution... Tout change, après tout.

N'empêche que le problème majeur reste le même - dont j'ai déjà parlé ici: l'absence des étudiants lors des événements non académiques (obligatoires, devrais-je ajouter). Hors de l'UQAC, point de salut serait-on tenté de dire. Toujours trop peu de temps, trop de priorités. Ce qui se fait hors les murs ne cadre plus avec les intérêts de ces jeunes artistes qui sont pourtant la relève qui pointe. Le BIA (et ses professeurs!) ne sait plus faire (ou pire, ne fait tout simplement pas) le travail de conciliation entre les deux mondes... tâche qui lui incombait, à une époque... ou s'en fout tout simplement. Rendement oblige. Nous n'y avons plus accès...

D'une part, on chiâle que l'UQAC ne supporte pas ses créatures (si je puis m'exprimer de la sorte) et ne remplit pas sa tâche d'éduquer culturellement (alors qu'elle aurait tous les outils) les publics différents qu'elle renferme... D'autre part, elle ne réussit même plus - dans son propre programme artistique! - à former ce public qui devrait fondamentalement être déjà sensible...

Et dire qu'on se targue d'avoir un milieu bouillonnant et dynamique... Bon. D'accord. Peut-être. Mais il commence à y avoir sérieusement de l'eau dans le gaz. Lequel des deux mondes bougera le premier?

To be or not to be

Eh bien... on aurait découvert une peinture représentant le vrai visage de Shakespeare... Cet auteur que d'aucuns croient être un mythe... et qui n'était que représenté posthumement... Cette toile aurait été peinte en 1610, soit six ans avant la mort du père d'Hamlet et de Roméo et Juliette, et dormait - si tant est qu'une toile puisse dormir! - dans une collection privée...

Pour d'autres renseignements, consultez les articles suivants:

Le vrai visage de Shakespeare dévoilé (Euronews)
Le vrai visage de Shakespeare (RFI)
Le vrai visage de Shakespeare (NouvelObs)

La théâtralité

par Nicolas Evreinoff

«Un jour, qui fut vraiment un beau jour, je compris que sans l'élément théâtral honni par les positivistes du monde, nous risquions véritablement de perdre le goût de l'existence qui deviendrait sans cet épice un plat trop fade pour être avalé. Je compris la raison pour laquelle l'existence de l'homme est transformée, de sa naissance au tombeau; éducation, plaisirs, guerres, exercices de la justice, pompe de la religion, que sont-ce sinon des espèces de représentations? Il est peut-être suspect de considérer la vie à partir de cette théâtralisation, mais concevoir le théâtre à partir de cette conception de la vie n'est pas sans influencer profondément et pratiquement les rapports de la scène et de la réalité.»

La théâtralité est pré-esthétique et non pas esthétique, par la simple raison que la transformation, qui est l'essence de tout art théâtral, est plus primitive, plus facile à réaliser que la formation qui est l'essence des arts esthétiques. Et je crois qu'au commencement de l'histoire de la culture humaine, la théâtralité joua le rôle de pré-art.

Le théâtre, en tant qu'institution permanente, est issu de l'instinct de théâtralité, et non pas de la religion, de la chorégraphie, de l'esthétique, ou de tous les autres sentiments. Psychologiquement parlant, il n' y a qu'un pas de la mascarade de l'homme primitif dans sa vie quotidienne au théâtre dans le sens étroit et technique du mot. En vérité, n'est-il pas naturel que l'homme qui pare à la monotonie de son existence incolore par des spectacles, sous prétexte de mariage, mort, justice, etc..., les organise également sans autre prétexte que celui de prendre plaisir au spectacle lui-même?... D'ici découle l'institution d'acteurs professionnels.

Ce n'est pas le naturalisme, mais la qualité convaincante des choses vues sur scène qui donne naissance aux illusions théâtrales. Ce n'est donc pas le sujet lui-même qui doit être montré au théâtre, mais une image du sjet, non pas de l'action elle-même, mais la représentation de l'action...

Peut-être bien que le réel problème de la scène c'est de donner quelque chose d'aussi éloligné que possible de la vieille et maussade réalité. Mais ce quelque chose de non naturel doit être persuasif, plein de vérité, d'une nouvelle vérité triomphante qui n'a rien à voir avec ce que nous appelons vérité derrière un comptoir de pharmacie, dans une banque ou dans un cabinet d'avocat.

(In Histoire du théâtre russe)

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Je trouvais intéressant ce petit texte d'Evreinoff, auteur dramatique russe, acteur, théoricien et historien de théâtre (1879-1953). D'autant plus que depuis quelques jours, je travaille à l'articulation de mon sujet de recherche pour les études doctorales autour, en quelques sortes, de la théâtralité...