LE RIRE DE LA MER [journal d'une mise en scène]...2

Cette fin de semaine, nous avons commencé à répéter LE RIRE DE LA MER, au Théâtre Mic Mac, avec toutes nos boîtes (d'ailleurs, nous sommes passé d'une dizaine de boîtes... à 450... à 100... pour finir 200). La scène est vite devenue un immense jeu de construction (wouhou! premières images!) :

Il y a huit lieux différents à construire... et à habiter...

Je n'ai jamais été aussi nerveux. Chaque répétition est une source de stress constante. Pourtant, on rit encore beaucoup. Les répétitions vont rondement... et si tout va comme prévu, la prochaine fin de semaine, nous aurons déjà une vue d'ensemble de tout le spectacle. Nous aurons assez de matériel pour faire un enchaînement (très!) mécanique... un peu carrée! Tout demande encore à être affiné, peaufiné, creusé, travaillé.

Maintenir en action (et en intérêt) une équipe de 13 comédiens gruge un peu beaucoup l'énergie... par chance, je suis soutenu par une équipe de conception très présente...

Séminaire et cinéclub

L'idée (qui n'est pas le mienne, soit dit en passant) fait de plus en plus son chemin: mettre sur pied un Cinéclub axé spécifiquement sur les documents audio-visuels touchant le théâtre (entrevues avec les metteurs en scène, documentaires, captations vidéo de représentations, etc.) au sens large (régional, provincial, national et international).

Par ailleurs, des séminaires pourraient être organisés autour d'un article (ou d'une séries d'articles sur lemême sujet), d'une parution, d'expériences théâtrales, etc... pourraient (ou non) précéder ou suivre les visionnements

Ce projet serait fait dans le seul but de se permettre de parler de théâtre... de voir comment la théorie peut s'allier à la pratique, d'approfondir nos connaissances théâtrales.

Heureuse Jeunesse

HEUREUSE JEUNESSE (texte de Frédéric Gagnon, mise en scène de Geneviève Mercier-Bilodeau et Maryline Tremblay) peut se présenter comme étant une charge à fond de train contre la culture de masse et/ou une démonstration des effets de l’Art sur le sujet humain. L'ironie y règne en maître et dénonce la standardisation qui nivelle l'intelligence par le bas. Bien que cette pièce soit somme toute assez conventionnelle (dans le sens de traditionnelle…), il est intéressant de noter qu'elle s'élabore à partir de deux oeuvres matricielles se confrontant: Beverly Hills 90 210 (les absurdes faux semblants aux accents «Cantatrice chauviens») mis en relief par Les Frères Karamazov de Dostoïevski (la liberté de pensée).

Le rythme de ce texte est incisif, fortement construit et repose donc sur une structure efficace… parfois déséquilibrée par les narrations (des Frères Karamazov et du Grand Inquisiteur) qui en alourdissent un peu le déroulement.

M.-Bilodeau et Tremblay s'en tirent généralement très bien et ont fait du fort bon travail.

Toutefois, la mise en scène souffre un peu, et c'est tout à fait naturel, de la «première fois». Elle est relativement fort sage... et surtout, très étendue dans l'aire de jeu. Alors que le texte propose une mécanique dramatique chaoteuse, la mise en scène disperse le regard du spectateur et atténue la tension (nécessaire) par une trop grande distance entre les personnages. L'équilibre disons... technique, est parfois un peu surprenante. Tout d'abord, les effets sonores s'espacent de plus en plus pour complètement disparaître en cours de réprésentation (si ce n'est du téléphone)... comme si on avait eu peur de trop en mettre... Quant aux effets éclairages, leurs nombres élevés posent un autre problème: dans la quantité, on perd parfois un peu la ligne directrice de ceux-ci, leur sens...

Les décors ne remplissent peut-être pas leur mission... ou leur évocation: celle de la maison de poupée... Est-ce la disposition des panneaux? La couleur des murs? L'esthétique choisie? Toujours est-il que ce Beverly Hills scénique (qu'il soit de poupée ou non) manque un peu d'unité et de force... Ces décors (combinés aux costumes) se situent dans un entre-deux (l'évocation du jouet versus l'évocation d'un véritable salon) qui, étrangement (parce que j'ai vu les filles travailler), manque un peu d'assurance, pour ne pas dire de jusqu'au-boutisme de part et d'autre.

La direction d'acteurs, elle, s'avère plutôt réussie. Les personnages sont bien esquissés, et surtout, bien soutenus par les interprètes (mention spéciale à Marie-Ève Gravel et à sa Barbara Sue parfaitement effrayante de perfection, d'une constance et d'une justesse à jeter par terre!). Marilyn Bédard, exubérante et pétillante dans la vie, surprend (positivement!) par sa sobriété... Sa partition comporte une autre difficulté énorme: par son discours, son cheminement intellectuel subit, sa Brenda n'est pas sur la même tonalité, sur le même niveau de jeu que les autres. Sur scène il y a donc la comédie... et Brenda, le pendant philosophico-littéraire. Il est sans doute fort difficile, à entendre les rires occasionnés par ses comparses, de ne pas sombrer dans le cabotinage. Messieurs Simard et Tremblay offrent également de belles performances.

HEUREUSE JEUNESSE se termine demain... et avec lui, la présentation 2008 des projets de fin de bacc. en théâtre.

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Quelques minutes avant ces représentation, Tania Ouellet présente Capture éphémère... doux leurres, dans le Studio-Théâtre. Très bon petit spectacle... qui n'a, de défaut, que sa longueur: dix minutes! On pourrait s'étendre sur le propos... mais cette étendue serait plus longue que l'objet lui-même...

Spectacle de danse expressive entrecoupée de poésie et d'images, Capture offre un monde... qui à peine apprivoisé s'éteint... Jérémie Desbiens évolue seul, dans une chorégraphie qui rappelle un peu les premiers pas (naïfs!) de Georges-Nicolas Tremblay, il y a dix ans...

Le Déluge après...

Peinture à l'huile sur toile de Francis Danby.

Après avoir assisté à l'une des représentations de la toute dernière production de la Rubrique, Le Déluge après, je dois avouer que j'abonde généralement dans le même sens que le texte paru sous la plume de Christiane Laforge, dans les pages du Quotidien du 19 janvier 2008.

Les comédiens sont bons. Le texte est bien... un peu long... avec parfois un excès de jurons... mais bien. Toutefois, à la première écoute, il est, je trouve, difficile de cerner quel est le véritable sens de cette fable (ou conte de fée?), de l'enjeu, le lien entre les personnages... et paradoxalement, l'histoire n'en demeure pas moins simple et facile à suivre.

Sans m'être ennuyé, je me suis posé tant de questions et réflexions (les premières étant reliées au comédien mystérieux!) au cours de cette heure et demie que dure ce spectacle que je n'ai pas réussi à plonger dans ce qui m'était proposé.

Peut-être est-ce dû finalement à un problème de mise en scène/direction d'acteur. Comme par exemple, charger le jeu de Monique Gauvin (par ailleurs fort intéressante... et magnifique chanteuse) d'un lourd accent anglophone finit par détourner l'écoute pour assommer l'attention du spectateur à ce qu'il est dit. Ou bien diriger le jeu de Richard Fréchette lors de sa première (et longue!) apparition à la «olivier-guimond-qui-joue-l'homme-saoûl» finit aussi par nous (me) saoûler. Les présences d'Émilie Bouchard-Jean, de Patrice Leblanc et de tous les autres, quoique parfois touchantes, ne permettent pas d'esquisser un projet d'ensemble clair, une ligne directrice à ce spectacle... et ne nous mènent guère vers cette exquise sensualité annoncée. La seule qui y parvient, en fait, est probablement Dalida-Johanne qui pleure-de-joie la présence soudaine de son Omer-Richard.

La facture esthétique de cette production peut aussi (peut-être) remettre en cause sa bonne compréhension.

Il semble manquer d'unité entre les différents espaces dramatiques (toile, route, lieux) où l'on passe de la réalité au symbolisme ou du moins, à l'évocation, dans un déambulatoire un peu forcé (et restreint!)... Il devient parfois un peu ardu de définir quel est le niveau d'énonciation. L'utilisation (et la superposition) de ces espace souffre peut-être aussi un peu de leur trop grande caractérisation: le snack-bar, la cuisine-salon de Dalida, le bar, la route, le fleuve, le camion (hors-champ). Tout est largement défini (par le mobilier) et s'ouvre, par conséquent, difficilement sur d'autres possibilités.

Quant aux costumes, quelques questions se poseraient (questions qui relèvent aussi -et surtout, à- de la mise en scène et de sa conception): quel est la véritable fonction du personnage de Dalida et pourquoi l'attriquer de la sorte? pourquoi la beauté improbable de June revêt-elle un tel style néo-friperie-haute-couture? les cheveux ayant une si grande importance (du moins ce que j'en ai compris), les perruques ne mériteraient-elles pas d'être un peu plus soignées, moins fausses?

Voilà, en gros, les réflexions qui m'ont tenu compagnie, de retour dans la froidure et la noirceur de ma voiture, après la représentation.

Le Déluge après
Théâtre la Rubrique
Jusqu'au 2 février 2008
Centre Culturel du Mont-Jacob (Jonquière)

P.S.: Les scènes de nudité (que je trouve par ailleurs un peu amoindries, tassées sur le côté de la scène alors qu'elles devraient être le coeur même de ce village paumé) font, par ailleurs, écho au dernier numéro des Cahiers théâtre JEU paru il y a quelques jours et qui traite du corps (dont un article sur la nudité au théâtre: il n' y a de véritable nudité au théâtre que celle masquée, de dire Michel Vaïs... sinon, la nudité du comédien prime sur celle du personnage... et à ce moment, c'est par exemple Émilie que je vois nue et non June... Pat Leblanc et non Denis... etc.). À lire si le sujet intéresse...

Petite histoire du théâtre régional

À ceux pour qui l'Histoire à du sens, à ceux pour qui l'inscription du théâtre (et du domaine culturel) dans la région à aussi du sens, je conseille fortement la lecture d'un dossier paru dans la revue ESSE entre 2001 et 2002, sous les plumes recherchées de Michel Lemelin et Christine Martel: La Culture d'un Royaume.

On y apprend, entres autres, l'importance du Théâtre Capitol, dans le centre-ville de la rue Racine (dont j'ignorais complètement l'existence) dans les années 20 jusqu'à je ne sais quelle date... Curieux, j'ai trouvé cette description sur le site de la Société historique du Saguenay.

Collection SHS, carton # 197

À partir de 1913, Chicoutimi possède son théâtre connu sous l’appellation de théâtre Populaire. Construit sur la rue Racine, il abrite un cinéma et une salle de théâtre qui peut accueillir jusqu’à 400 spectateurs. En janvier 1926, on le remplace par un nouveau théâtre beaucoup plus spacieux et luxueux.Érigé au coût de 85 000 $ par l’entrepreneur Robin de Chicoutimi, le nouveau théâtre de Chicoutimi logera jusqu’à 630 personnes. Le théâtre Capitol constitue à l’époque un vaste complexe culturel qui, en plus de présenter des concerts, du théâtre et du cinéma, loge dans des salles attenantes une salle de billards, une salle de quilles et un aréna. Richement décoré, ce théâtre fait la gloire de Chicoutimi avec des invités de marque tels que Fernandel, Tino Rossi et Charles Trenet. Ce dernier dira même en entrevue à Montréal « à Chicoutimi, j’ai trouvé bien mieux qu’ici. Vous auriez tout intérêt à voir ce théâtre ». malreusement, le Capitol sera démoli au début des années 1990.

Si j'ai bien compris, ce bâtiment à été démolli... ô surprise... le Patrimoine survit toujours aussi bien de nos jours. Mais si quelqu'un peut me dire sa location exacte, je serais fort enchanté.

Donc, dans le dossier de la revue ESSE, on suit l'évolution du théâtre au Saguenay Lac-Saint-Jean... de la période disons amateure et académique... C'est la création d'une troupe au Séminaire de Chicoutimi par l'abbé Philippe Fortin, en 1929 (troupe qui durera une trentaine d'année) et qui, dans les années 40, révélera le talent d'un certain Ghislain Bouchard. C'est la création, par ce même Monsieur Bouchard, beaucoup plus tard de La Marmitte (avec les Louise Portal, Michel Dumont, Marie Tifo, etc.) ... à la période faste des années 60 et 70 où les troupes régionales (dont la plus connue à l'époque est le Théâtre Populaire d'Alma - qui a fermé définitivement les livres en 2003 - avec Michel Côté et Marcel Gauthier) font des tournées provinciales, participent à de nombreux festivals et reçoivent de nombreux prix nationaux. En 1978, c'est l'implantation du certificat en théâtre à l'UQAC par Rodrigue Villeneuve (qui accueillera comme professeurs Marie Laberge qui écrira sa première pièce, Ils étaient venus pour pour répondre aux besoins de la première production, Gilles Maheu, Larry Tremblay) ... suivi par la professionnalisation du milieu.

Bien entendu, ce bref résumé oublie de larges pans de cette histoire passionnante...

Si je parle de cet article précisément, c'est qu'à sa lecture, on y retrouve des événements, des tentives pour réunir l'ensemble du milieu autour de projets rassembleurs pour son bon développement, chose qui manque peut-être aujourd'hui...

Que l'on songe à la foire culturelle organisée par Ghislain Bouchard dans les années 60 (la première année, 4000 spectateurs se sont déplacées... 25000 six ans plus tard!)... à sa reprise par Rodrigue Villeneuve et l'UQAC à la fin des années 70 (?)... à la fondation du Regroupement des troupes de théâtre du SLSJ en 1980 (qui ne fera pas long feu apparemment)... ou à la Maison Carrée des Têtes Heureuses qui constituaient un véritable lieu de création... à l'époque, on cherchait à unir, à s'implanter dans cette communauté... Le fait-on encore aujourd'hui?

LE RIRE DE LA MER...journal d'une mise en scène - 1

La première fin de semaine de répétitions est passée au Mic-Mac. Il est si difficile de commencer un projet... et si grisant lorsque celui-ci est mis en marche.

Après une réunion de production soutenue et stimulante, une réunion qui a vite fait place à l'emportement et aux idées de grandeurs (de celles qui font qu'un projet garde toujours en mode «recherche»!), nous avons exploré l'idée du vide théâtral comme principe scénographique... pour finir avec une scène couverte de 450 boîtes (d'après un calcul savant)! Les incidences d'un tel revirement se sont vite manifestées l'heure suivante lorsque la mise en scène s'est esquissée: l'espace est non seulement réduit... mais il est extrêmement massif... surtout quand les treize (vive les superstitions!) comédiens entrent en scène. De cette réunion sont sorties aussi quelques images, quelques références qui serviront de cadre: le théâtre d'Épidaure, la bande dessinée, Harry Potter, les blocs d'enfants... le tout conjugué avec ce que je veux faire de ce spectacle, véritable exercice d'imagination et de conception

Bref, il a fallu apprivoiser l'idée.

Le début d'un tel chantier se voit aussi investi d'une mission fondamentale: vendre le projet aux participants, les allumer, leur donne envie de s'investir dedans. Il faut donc aplanir les rancunes et/ou les envies non-comblées, négocier les présences, expliquer les motifs de long en large, répondre aux soupirs, aux questions, ouvrir les esprits... tout en demeurant enjoués, sensés, cohérents et dynamiques. Il faut créer l'ambiance, devenir une source de plaisir (!), être à l'écoute de tout ce qui se passe dans la salle. Il faut par la suite tester les idées de départ... et réagir au besoin.

Bref, la première journée fut animée... pour se terminer malencontreusement dans le doute.

Car ce spectacle, Le rire de la mer de Pierre-Michel Tremblay, offre la possibilité (que nous avons prise!) de travailler le choeur. L'utilisation de celui-ci reste à définir... disons plutôt à peaufiner. Je veux un choeur. Je veux que celui-ci devienne aussi scénographie, interlocuteur, accessoire... Toutefois, après quelques heures de travail, de création chorégraphique, de création sculpturale comme je peux parfois le faire, il m'est apparu de façon viscérale que je faisais fausse route, que le départ se faisait sur une mauvaise base... que ce qui se créait était non seulement rigide... mais aussi déjà-vu (dans mon travail).

Une insomnie... un nouveau matin...

Dimanche, nous avons recommencé. Nous avons clarifié et testé autrement le rôle du choeur, sa façon d'être sur scène, sa personnalité. Nous avons esquissé de nouvelles mises en place scène/choeur... et surtout, nous avons beaucoup ri... Déjà, une esthétique se dessine, un ton s'impose peu à peu.

Après deux jours de répétition, sont placés le prologue ainsi que les scènes 1 à 4... Des questions sont encore en suspens: le décor (les boîtes... du moins, la forme de leur présence scénique!), la musique (j'hésite entre le Dean Martin du texte ou autre chose... ou le rien...)... Prochaines répétitions: 26-27 janvier...

Bilan 2007

Tant qu'à y être, plongeons aussi dans cette période frénétique des bilans de fin d'année. Pour faire original et officiel, je pose donc ainsi la prémisse de celui-ci: que devrait-on retenir de l'année 2007 sur le plan (extra-)théâtral au Saguenay?

On peut, de prime abord, constater (voir le commentaire du 4 décembre) un foisonnement exceptionnel de productions régionales: 24 spectacles, toutes catégories confondues. Cette brillance en apparence possède aussi pourtant son revers de la médaille... En effet, une désaffection du public (voir les nombreux autres commentaires!) se fait sentir, une baisse parfois drastique des assistances se fait remarquer. Peut-être est-ce dû à un manque de publicité? Peut-être est-ce dû à un problème d'offre et de demandes? Peut-être est-ce aussi autre chose.

Toutefois, il existe une exception notable: le Théâtre du Faux coffre et ses clowns noirs qui sont devenus, de façon encore plus marquée cette année, des portes-paroles puissants dans le milieu culturel. Ils sont partout, attirent et attisent les foules, parlent beaucoup. Leurs spectacles se jouent pratiquement à guichet fermé! Bravo à eux!

Par ailleurs, plusieurs spectacles d'ici ont connu les joies des sorties hors-région: Je ne pensais pas que c'était sucré de la Rubrique (représentations en co-prod. à Sherbrooke), Sonô de Vicky Côté (représentations à Périgueux en France, dans le cadre du Off-festival Mimos), Le Capitaine Fracasse des Têtes Heureuses (représentations dans le cadre de Zones Théâtrales, Ottawa) et Les Amis de Chiffon qui se promènent avec succès dans plusieurs villes du Québec avec leurs spectacles [Le chameau] et Les trois cheveux d'or. Dans le même ordre d'idée, soulignons aussi la présentation de Kiwi de Daniel Danis en Italie (par le collectif de la Chassepinte composé de Guylaine Rivard, Dany Lefrançois et Sara Moisan).

En mai (et en août) le Théâtre 100 Masques a changé de direction générale et artistique. Je remplace désormais Sophie Larouche. Des gestes ont été posés pour une restructuration. Des demandes ont été déposées. Les résultats sont encore à attendre.

Le mois d'août a vu l'arrivée (et c'est à mon avis l'événement régional de l'année) du nouveau professeur titulaire du cheminement théâtre au BIA en remplacement de Rodrigue Villeneuve: Jean-Paul Quéinnec. Ce fait peut paraître anodin et pourtant... Quand on regarde avec lucidité le milieu régional, presque tous ses artistes et artisans qui l'animent sont passés par l'UQAC. La personne ressource de ce cheminement devient par conséquent un véritable phare, un catalyseur important non seulement pour les cohortes d'étudiants qui y passeront, mais aussi pour tout le milieu professionnel qui accueillera ces derniers. Peut-être sommes-nous à un tournant important dans la vision théâtrale d'ici...

En octobre, se sont aussi tenus, et c'est sans conteste l'événement théâtral des 25 dernières années, les Seconds états généraux sur le théâtre. Pour combler l'attente des conclusions et des résultats, lire l'édito de Michel Bélair du Devoir...

Enfin, 2007 a vu surgir deux initiatives à ne pas passer sous silence. Il y tout d'abord la création de SOS Clown, organisme thérapeutique (!) de Josée Gagnon et de ses 4 autres accolytes qui prend de plus en plus d'importance dans le monde hospitalier auprès des malades jeunes et vieux.. Ensuite, il y la naissance d'un monstre qui risque de se déployer un jour très proche: Spectacles Saguenay. Les dés ne sont pas jetés, mais ils brassent avec énergie! Qu'est-ce que c'est? 1 - 2 - 3

Ce sont donc les quelques éléments que je retiens de cette année. Si j'en oublie selon vous, n'hésitez pas à m'en faire part... parce que comme le disait Gaston Baty: «Mais en dehors du théâtre, est-il une vie?»

Productions 2007

Voici les productions en «compétition» pour l'année 2007... (Notez que je ne considère que les productions régionales toutes catégories (créations et reprises.) M'en manque-t-il?
Légende: Spectacle professionnel Spectacle académique Spectacle de loisir
Relativement en ordre chronologique:

MADAME [petites fables excessives...] (Dario Larouche)
Je ne pensais pas que ce serait sucré (Théâtre la Rubrique)
Destins croisés (UQAC - projet de fin de bacc.)
Ne me demandez pas comment je vais (UQAC - projet de fin de bacc.)
L'Étape (UQAC - projet de fin de bacc.)
Tordus (UQAC - projet de fin de bacc.)
Un jour j'aurai dit oui à ma naissance (UQAC - projet de fin de bacc.)
Une histoire dont le héros... (en reprise) (Les amis de chiffons)
En attendant l'dégât d'eau (en reprise) (Théâtre du Faux-Coffre)
Les Reines (Théâtre Mic Mac)
Tout va bien/Face au mur (UQAC - spectacle étudiant)
Sonô (Vicky Côté)
Le Capitaine Fracasse (en reprise) (Les Têtes Heureuses)
Le Festin (en reprise) (Théâtre la Rubrique)
Les Monstres de l'orgueil (Théâtre 100 Masques)
Roméo et Juliette de William Shakespeare (Théâtre du Faux-Coffre)
Le jour de la Puppet (ManiGanses)
KAPOS B12-730 (Théâtre CRI)
Guerre (Les Têtes Heureuses)
La Noël de Gruntilda (Théâtre 100 Masques)
L'Opéra de quat'sous
Pièces montées (Guylaine Rivard)
Le passage des éphémères (UQAC - projet fin de maîtrise)
Cinémassacre (UQAC - Théâtre amateur)

Pièces montées [ou comment refaire le burlesque des belles années]

En première page du Quotidien!

Sur la photo, Maxim St-Pierre et Mélanie Potvin

(et la photo, en-haut, du nouveau préfet de la MRC Lac-Saint-Jean-Est, qui est aussi mon parrain!)

Le burlesque (ou le vaudeville... mais à ne pas confondre avec le genre dramatique cher à la France des années 1850) se définit ainsi: c'est le comique de la surprise, du quiproquo et de l'outrance, souvent légèrement raccoleur. C'est le type de spectacle en vogue au début des années 1900-1950; le type de spectacle qui façonne de véritables vedettes: La Poune, Olivier Guimond, Juliette Pétrie, Manda Parent... et Gilles Latulippe!

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C'est à ce genre bien particulier et bien marqué dans le temps que nous convie Guylaine Rivard avec ses Pièces Montées.

Appuyée par une équipe de comédiens chevronnés rompus à l'art du comique (Martin Giguère, Yves Larouche, Maud Côté, Éric Chalifour, Vicky Côté, Pascal Rioux), elle a complété judicieusement sa distribution en faisant appel à des élèves de la Polyvalente de Jonquière (d'ailleurs chapeau à tous ces jeunes qui tiennent solidement tête aux plus expérimentés!). Ainsi, Pièces montées célèbre le retour de Mélanie Potvin (absente de la scène, si je ne m'abuse, depuis 2003) à la figure géométriquement variable et à l'arrivée massive de nouveaux talents.

20 numéros s'enchaînent au cours de la soirée, entremêlant des sketches qui donnent toute la place aux numéros de comédiens... de ceux-ci, retenons particulièrement
- le numéro de mime (qui prouve que Giguère est aussi bon comédien qu'auteur!);
- le numéro «Les parvenus» (qui révèle, en monsieur Otis-Tremblay, une relève déjà au seuil des planches professionnelles);
- la reprise de «La dame en bleu» (qui fait entendre les tribulations de la glotte chalifourienne)
- et «Laurel et Hardy» (pour l'ensemble de l'oeuvre!).

À l'écoute de ce spectacle, à voir aller les comédiens avec fougue et conviction s'approchant de la juste tonalité sans toutefois y parvenir entièrement, j'en suis venu à la conclusion que le burlesque n'est pas qu'un simple style de jeu mais bien une véritable philosophie théâtrale, un sens inné du timing et de l'effet, d'où la difficulté (et le mérite de cette entreprise!) de plonger dans ce répertoire.

Au chapitre des réserves, outre l'atmosphère de la salle qui se prête difficilement au jeu, il y a les entre-scènes (surtout après l'entracte) qui, à mon avis, cassent le rythme et manquent légèrement d'interactions avec le public. Ce ne sont que de petits numéros qui laissent un peu pantois et perplexe. Un véritable MC (comme dans la première partie) mènerait le tout avec plus de poigne.

Un autre point me semble un tantinet questionnable: l'esthétique de tout cela. La théâtralité de ce spectacle gagnerait à être un peu plus colorée au sens littéraire (qu'il s'agisse de nappes à motif ou de recouvrements moins drabes) comme au figuré (dans certaines scènes, l'interprétation est trop petite ). Pour moi, le burlesque c'est le côté kitsch du théâtre... Cette dite théâtralité devrait donc être encore plus clinquante et plus assumée (surtout le canapé qui est d'un ennui profond mais pas assez... le bar... etc.).

Enfin, un ou deux numéro(s) semble(nt) hors cadre: comme par exemple «Les boîtes à gogo»... ... ...

Voilà. Je dois avouer que malgré tout, on passe une soirée fort agréable!

Le B.I.A. ou le magma interdisciplinaire

La plupart des praticiens du Saguenay (moi inclus) sommes passés par l'Université du Québec à Chicoutimi, dans le programme du Baccalauréat Interdisciplinaire en arts - option théâtre.

Non, ce n'est pas une école de l'acteur... c'est plutôt une école de l'artiste qui le pousse à penser et à créer. Et j'endosse!

Ce qui fait (j'oserais même parler à l'imparfait!) sa force, l'interdisciplinarité - résidu post-moderniste... étincelle inéluctable de l'artiste du XXIème siècle! - est pourtant en train, selon moi, de l'affaiblir grandement.

Car pour entrer de plein pied dans la contemporanéité, tous les cours tendent désormais vers ce concept fourre-tout - magma disciplinaire - qui ne répond plus à aucune attente réelle. Oui, le principe a une grande valeur... mais pas à n'importe quel prix!

Les cours disciplinaires (qui devraient avoir une importance plus grande puisque pour interdisciplinariser des champs artistiques, encore faut-il posséder avec assez de force celui dans lequel nous évoluons) sont de moins en moins nombreux* ... ou de moins en moins clairs: ce qui survit comme tel est noyé sous la masse des étudiants de d'autres concentrations. Il y a comme une étape de perdue dans le cursus universitaire. Il y a une somme de connaissances qui ne se rend plus aux étudiants. Et l'on s'étonne de voir leur intérêt diminuer... ou de voir leur démarche s'emboîteuiser.

Le BIA était (et est encore assurément) fortement novateur à sa création. Mais la qualité de cette formation est aujourd'hui questionnable. Son fonctionnement et ses contrats de performances seraient peut-être à étudier sérieusement... avant qu'il ne sombre dans un magnifique flou artistique! À voir évoluer ce programme, je serais curieux de connaître la vision de ceux qui le dirigent ou l'ont dirigé.


* à l'époque où j'étais étudiant, au programme, en plus des cours qui sont encore dispensés dans l'option théâtre (Techniques de jeu, Théâtre au Québec, Histoire de la mise en scène, Production, Dramaturgie et mise en scène, Écriture dramatique) s'ajoutaient: Analyse de spectacle, Techniques de scène, Lecture en théâtre, Scénographie, Danse-théâtre

GUERRE... combat entre le texte et la scène

Voilà... je suis allé voir (pour la première fois depuis la générale) une représentation de Guerre, présentée par Les Têtes Heureuses.

Je dois avouer que j'ai eu la chance d'avoir, dès le début du printemps (peut-être aussi était-ce le début de l'été?), ce texte entre les mains, alors que la distribution n'était pas encore annoncée. Texte qui m'avait beaucoup plu... avec une forte dose de contemporanéité: dialogues réduits à l'os (comme dirait Rodrigue Villeneuve); personnages forts (plus proches de la présence que du caractère); linéarité brisée par la forme, beaucoup plus près du montage cinématographique que du récit; propos crus où les mots s'autosuffisent dans la création d'une atmosphère d'après-guerre emplies de vides, de tensions, de morts, de chaleur éteinte. Fi donc de l'émotion. Les mots portent en eux-même l'horreur et le mal-être. Le théâtre dans sa plus simple expression. Presque rien... et pourtant soumis à une force horrible et froide: la ruine de l'être humain.

Le choc de la scène

Dans la salle, presque rien. Presque rien sinon une grande toile (omniprésente), un mur immense d'entrepôt ou quelque chose du genre, et une scène centrale. Une aire de jeu dépouillée, oui... mais aussi «repouillée» de chaises, de matelas et de menus accessoires! Bref, place aux acteurs.

En soit, la représentation est agréable: les deux heures que durent les entrelacements des dialogues, éclairages, costumes (!) et musique (?) passent sans longueur... et réussissent à maintenir un intérêt constant. Mais en même temps, suis-je objectif?

En fait, le choc ressenti tient beaucoup au texte et à l'interprétation. Ce qui, à la lecture, m'apparaissait d'une cruauté lucide, froide, et martelée au rythme du vide existentiel - une partition dissonnante - devient, à la scène, un récit (d'horreur, oui, mais tout de même un récit) avec des envolées émotionnelles. Cette impression tient tout particulièrement au personnage du père (malgré tout une belle performance de Jean Proulx) qui passe (toujours à la lecture) d'obsessif tyrannique à (toujours à la scène) victime qui pleure et repleure sur lui-même, sa femme, ses filles, sa vie passée, etc. L'image que s'en fait le comédien, la façon dont il aborde son rôle cadre-t-elle avec ce qu'a voulu faire le metteur en scène? Je lui demanderai, après tout, il habite chez moi!

Le spectacle propose de belles images et offre de forts beaux moments de comédiens, notamment lorsque paraît Sara Moisan, tout en nuance, en subtilité (un peu cliché mais bon!) mais avec une force et une solidité exemplaire! Une Mère Courage contemporaine... Marie Villeneuve et Johanna Lochon campent deux jeune filles avec brio (que voilà donc des phrases presque tirées du Quotidien!) et justesse. Quant à Jonathan Boies, l'effort est constant et louable... et il évolue de soir en soir.

Oui. Du vrai théâtre! Mais en sortant, après la représentation, bien plus tard, dans le lit, une question se pose avec acuité: est-ce que nous avons une expérience de vie nécessaire ici, à Chicoutimi (et au Québec, et en Amérique!), dans le confort du quotidien, pour porter un tel texte?

KAPOS B-12 730... entre vérité et mensonge?

Par un dimanche lancinant (ou hier soir... pour être plus pragmatique), je me suis dirigé vers le Centre National d'Exposition à Jonquière pour assister à une représentation (intimiste!) du Théâtre C.R.I.: Kapos B12 730. Spectacle fascinant en ce qui a trait aux images, troublant dans son processus de création et sa réception par le public...

Mais, ne sautons pas d'étapes!

KAPOS B12 730 se veut être, selon le mot du metteur en scène,

une exploration, un jeu de la vérité et du mensonge. Chercher en nous ces prisons qui nous empêchent d'avancer, de réaliser que cette quête de liberté est une chose innée et que l'humain, dans une mécanique qu'on pourrait dire stéréotypée, ne peut s'empêcher de toujours avoir comme objectif ultime d'atteindre cet état ou ce sentiment libérateur.

Il faut dire, tout d'abord, que cette exploration, cette quête de liberté, cette recherche de ce sentiment libérateur, cette création est née d'une façon plutôt radicale: l'incarcération (psychologique surtout!) des acteurs. C'est en quelques sortes un déni de la liberté créatrice. C'est une emprise quasi absolue des concepteurs sur le processus. L'ouverture des comédiens, le dépassement de leurs limites, de leurs prisons intérieures n'est pas un cheminement mais plutôt un résultat tyrannique. Du principe de vérité et mensonge, la limite est mince pour en arriver à celui plus pervers (et ô combien plus troublant!) de manipulation et cruauté... Cette dénaturation du processus créateur s'est avérée (du moins selon l'expérience de spectateur vécue lors des Nuits de la Culture) être d'une force surprenante: assis dans la salle, devant cet abus de contrôle, il n'est d'autre choix que de se positionner soit en tant que complice de l'un, les concepteurs, ou de l'autre, les comédiens... Le malaise s'installe... Le pression s'accentue... et l'Art agit.

Ainsi naquit le spectacle KAPOS B-12 730...

Un environnement stylisé conçu par Cindy Dumais, tout en blanc et orange, s'intègre à l'architecture du lieu (salle de répétition) selon la pratique habituelle de l'artiste. L'effet est plutôt réussi et permet le mariage entre l'aire de jeu et la verticalité de l'endroit (la mezzanine). Divers objets jonchent le sol et les airs (grâce à la corde à linge!)... L'immense mur gris qui sert de mur de fond devient également support à la projection d'images vidéos. Alexandre Nadeau a éclairé adroitement et judicieusement le tout, mettant en relief cet espace multifonctionnel...

Qu'est-ce que ce lieu créé? Une prison? Si on se fie au texte, oui. Mais le déroulement de l'intrigue (parce qu'intrigue il y a), nous présente le tout plus comme un laboratoire... à l'instar des expériences humaines en contexte carcéral réalisées dans les années 60-70 (expérience de Stantford, expérience de Milgram).

KAPOS B-12 730 enligne plusieurs tableaux, d'une force visuelle constante. Drôles. Énigmatiques parfois. Touchants (d'ailleurs, mention spéciale pour Alexandre Larouche dans la scène que vous reconnaîtrez sans doute). Questionnants.

Parce que oui, de ce qui est annoncé dans le programme, on passe à un autre niveau (tout aussi intéressant): les questions d'éthiques, de pouvoir et de manipulations. Avec l'entrée en scène des comédiens (qui - mises à part peut-être leur voix factices et leur démarche forcée qui étrangement caractérisent ces personnages que l'on veut réduit à de simples numéros - tirent fort bien leur épingle du jeu!), s'instaure une micro-société régit par des règles, des lois, et un Pouvoir absolu invisible mais omniprésent. Un Pouvoir en lequel est concentrée l'avenir de celle-ci. Un pas de plus et nous voilà en plein 1984 de Georges Orwell et de son Big Brother.

Sommes-nous ici face à une quête de liberté ou du moins, d'un sentiment de libération? Pas certain. Le jeu de dépassement des limites, de l'affranchissement des prisons intérieures semblent englouties par le jeu de la manipulation de l'autre, la perversion du contrôle (lors, entre autres, de la prise de pouvoir de chacun des kapos) et l'état d'asservissement de l'être... Le message que je retiens de ce spectacle est que les prisons intérieures ne sont qu'un infime reflet des toutes les prisons extérieures qui nous contraignent... Ce message semble, par ailleurs amplifié par la finale moralisatrice de cette heure et quart éminemment théâtrale.

KAPOS B-12 730 vaut franchement le détour... pour voir... pour encourager le CRI et soutenir l'importance de ce théâtre au Saguenay... et pour se faire sa propre opinion!... parce que ceci est la mienne et elle n'a pas a encouragé ou décourager les gens... :)